En 1963 son père meurt accidentellement «...broyé sous une charrette de foin.» C’est à cette période qu’il commence à ramasser des pierres, des racines, aux formes étranges qu’il sculpte. «Quand mon patron a vu ça, y m’a tapé....J’ai pleuré.»

En 1965, il tombe, enfin, chez un «bon patron». L’instituteur du village lui offre un livre sur l’Art Nègre. C’est le début de sa grande production de totems, profils de femmes Africaines, etc. sculptés dans du bois de récupération et qu’il transporte ensuite sur son vélo, le dimanche, pour les distribuer aux gens de son village.

Au printemps 1986, Madeleine LOMMEL et Michel NEDJAR découvrent son travail. Des oeuvres entrent dans la collection de l’ARACINE.

Depuis octobre 1998, il vit dans une maison de retraite en Mayenne. Il participe à la vaisselle et consacre, ensuite, ses matinées au dessin (dans sa chambre). Ses après-midi sont réservés à la sculpture (dans le bûcher de l’établissement) 

Michel Leroux

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peter cäsar

L’œuvre de Peter Cäsar se distingue par sa polyvalence. Outre le grand nombre de blocs de dessins, impressions graphiques, images à la tempera ou à la peinture à l’eau et les peintures acryliques grand format, on y trouve aussi des peintures pastel à l’huile, dont le nombre est prépondérant.

La couleur y est appliquée par petites unités de surface juxtaposées, puis superposées, de telle sorte qu’elles se densifient de plus en plus dans la surface, laissant apparaître les détails d’un motif. Peter Cäsar a développé ce procédé de réalisation – quasiment en pointillé – d’année en année avec des crayons pastel et l’applique aujourd’hui à toutes les autres techniques. Ainsi, ses œuvres ne nécessitent pas de contours définis, consistant principalement en unités de couleur et de surface dont les délimitations et superpositions engendrent tout naturellement les contours des motifs. C’est entre 2002 et 2005 que Cäsar a développé et perfectionné cette particularité stylistique au charme esthétique extrême, même pour la gravure à la pointe sèche. Les œuvres réalisées dans cette technique, au nombre de près de cent, donnent à l’impression graphique un caractère tout à fait particulier, très mouvementé et direct. 

 

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andré chichignoud

La vie est un songe

La vie jaillit des tableaux d’André Chichignoud, telle une nouvelle dramaturgie, donnant sur une scène stupéfiante il est un oiseleur. Il n’emprisonne pas les oiseaux. Il s’agit d’un nouveau genre d’oiseleur. André libère les personnages, libère les images, les couleurs, les formes… et tout s’envole, dans un mystérieux mouvement des matières. Il ouvre les cages où étaient enfermés ses songes qui se répandent sur la toile ou sur le bois. Perché sur la branche d’une portée délirante, André nous chante toutes les notes d’un arpège sans fin. Comme tous les oiseaux rares, il nous invite à célébrer sa palette zoomorphe, sans laquelle écureuils, oiseaux, biches et autres êtres vivants ne viendraient pas au monde dans un vacarme coloré. Sur la scène l’oiseleur évolue au rythme des clipotis et clipotacs des becs, des gueules, des pattes, des bras en éventails et des corps harmonieusement disloqués. André établit une chaleureuse fraternité avec ses personnages : il les regarde, les écoute, comprends leurs cris, leurs espoirs et leur devenir. Inexorablement, irrévocablement, ses pinceaux ouvrent les rideaux d’une scène ou le « regardeur » est finalement le protagoniste témoin. André CHICHIGNOUD fait de la peinture un songe. Et nous rêvons avec lui.                                                   

Alberto Cuadros

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paul duhem

 

Quand elles habillent tout un pan de mur, les peintures de Paul Duhem, à travers quelques différences de formats, présentent une unité intangible à laquelle les variations de couleurs ne portent aucune atteinte. Ce sont, dans le commissariat d’une autre planète, autant de fiches anthropomorphiques d’une multitude d’individus, à priori en tous points semblables, comme il arrive généralement à notre regard de globaliser les espèces étrangères sans retenir les nuances qui en caractérisent les sujets. Pourtant les visages que nous donne à voir Paul Duhem, comportent bien des nuances, identifiables par un oeil exercé. A partir d’une image type, le peintre en distribue les éléments à sa guise, sans tenir compte de paramètres précis, à part quelques constantes comme la posture en buste, de face, aux épaules tronquées sur les côtés. L’essentiel du travail de Paul Duhem ne se situe pas dans quelque attitude qui serait prise sur le vif mais il met au contraire en scène des personnages d’une raideur hiératique, monolithique, faisant penser au faux immobilisme des images cinématographiques dont la succession rapide imite le mouvement. Ainsi, les peintures de Paul Duhem restituent cette impression complexe d’une vie contenue, prête à exploser et dont l’artiste garde la pleine maîtrise. Quand aux couleurs, toujours justes, parfaitement en place, avec une science innée consommée, on peut supposer qu’à l’instar d’Aloïse, Paul Duhem les prend comme elles viennent, sans se soucier qu’elles entrent dans un schéma chromatique dont il ignore les principes et faisant principalement confiance à son talent pour les voir cohabiter et se stimuler l’une l’autre en donnant à l’ensemble le spectacle évident d’une grande cohérence......

Gérard Sendrey Conservateur du Musée de la « Création Franche » à Bègles.

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IME henry daudignon

Pendant une quinzaine d'années, dans l'atelier peinture de l'IME Henri Daudignon, ils ont  déposé  les traces de leur sensibilité, de leurs émotions, de leur vitalité.
Ils ont laissé dans la matière et la couleur l’empreinte de leur force expressive. Elle est proche de l'enfance par la spontanéité des traits et la liberté d’associer la couleur.
Mais c’est surtout  une expression brute hors des codes et des conventions…
Certains plus que d’autres ont révélé et découvert l’aube d’un talent …

Et puis ils sont partis, les uns après les autres vers le monde des adultes handicapés mentaux, laissant derrière eux cet espace intérieur un instant ouvert…

jaber

Avec une peinture fraîche et colorée Jaber était reconnu comme l’un des derniers artistes de l’art brut par Dubuffet.
Jaber est l’exemple frappant de l’intégration. Immigré Tunisien, sans savoir lire et écrire, sans avoir jamais touché aucune aide sociale ni chômage, ni RMI, il s’en sort plus qu’honnêtement. Il souhaite cependant vivre très modestement, dans l’anonymat et la quiétude. Il n’invite que de très rares personnes à son atelier.

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rémy jammes

Il suffit de regarder, tout ça tombe bien… de regarder il y a de quoi. Rémy Jammes, en bon colporteur d’images, sort à notre attention de sa hotte moult peintures, dessins, sculptures. Et sa besace recèle encore quelques assemblages et objets en matériaux récupérés détournés.

Trafiquant de figurations, artisan industrieux qui œuvre de tout bois, toute toile, toute couleur, tout métal, toute ferraille, Rémy offre un joyeux tohu-bohu qui nourrit et rassasie le regard, le cœur et l’esprit.

Monde imaginaire, imaginatif, bel et bien réel, foisonnant, tribu de personnages drolatiques, ribambelle d’impressions de voyages et de réflexions sur notre vaste monde beau et grinçant.

A venir voir d’un peu plus prêt au pays qu’arpente Rémy le colporteur.

j’ai fait de la B.D / j’ai fait dans la panique / j’ai fait des mômes / j’ai fait dans l’illustration / j’ai fait le fou / je n’ai pas fait l’armée / j’ai fait le punk / j’ai foiré pas mal de choses / j’ai fait dans le mariage / j’ai fait dans le divorce / j’ai fait de la peinture / j’ai fait dans l’amour aussi / j’ai fait dans le singulier / j’ai fait la sourde oreille / j’ai fait dans le psychédélique / et j’ai fait dans le psychologique / j’ai fait dans l’expressionnisme / j’ai fait sur les politiques / j’ai fait du bruit / j’ai fait dans la haine / j’ai fini dans la merde / et j’ai fait le contraire / j’ai fait dans la douleur / j’ai tout fait dans le désordre / je n’ai pas fait de concessions / j’ai fait dans la noirceur / j’ai fait du mal / j’ai aussi fait le con / je n’ai pas fait que ça / je n’ai pas fait de détails / j’ai fait dans l’angoisse / plus rarement dans le bonheur / mais je n’ai pas fait l’Everest

 hugues joly

Rembrandt ? Van Eyck, Rubens… sont la nourriture d’Hugues pendant des années. Aussi, lorsqu’il commence à peindre, son objectif est de réaliser une madone de Van Eyck. Plutôt de lui ouvrir les portes, ces référents l’ont bloqué. Bien sûr, le résultat est décevant au moins pour 2 raisons : par son manque de technique et par la différence du vécu. Hugues, très croyant, désire témoigner de son expérience chrétienne, mais je pense qu’il ne peut le faire comme Van Eyck.

Bruno Gérard

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alain lacoste

martine lamy









Hybrides et homoncules de l’atomisation

En voici un, puis deux, puis trois, sortis comme qui dirait, de la cuisse de Jupiter ou de ce qui lui en tient lieu. Une peuplade de créatures damnée des dieux, trop humaine ou pas assez, surgit en catimini derrière mon dos, pullule sous mes doigts. Il en pleut bientôt des dizaines. Du sperme et du sang en sont les souches premières. Certains alchimistes en auraient fabriqués puis enclos dans des bocaux de verre remplis de formol… Qui sait ? Après des débuts timides, j’entre bientôt en terra incognita. Je me retrouve en plein milieu d’une abominable Tentation de Saint Antoine. N’aurais-je pas franchi les portes d’un territoire maudit ? S’agit-il d’une humanité parallèle à la nôtre ou encore de la préfiguration de l’évolution humaine ? J’en arrive bientôt  aux « Hybrides de l’atomisation » : créatures mi-humaines mi-animales ou mi-humaines mi-végétales. Comme une sorte de bestiaire égyptien revisité, à cela près que ces créatures à demi humaines n’ont rien de divin, mais semblent subir des mutations dues à un ingrédient… d’origine atomique. Les végétaux sont gigantesques. Les insectes, démesurés et particulièrement voraces. Les homoncules, tout du moins ce qu’il en reste, objets d’attaques venant de monstres eux aussi mutants. Ils s’observent, se pourchassent les uns les autres. Se fuient, s’entredévorent avec délectation, semblent rattrapés par leurs propres mutations. Les « langueux » font alors leur apparition, extirpant et déroulant de leurs bouches d’épaisses langues spiralées pour capturer leur proie. Suivent les « dévorations », les « édentés », les « denteux », les « volants » puis les « copulateurs ».  Sans commentaire. Juste un titre et une datation qui à eux seuls en disent long. Tout au moins suffisamment. Je me fais l’effet d’un naturaliste recensant et classant méticuleusement de bien curieuses espèces couchées sur des planches que je range ensuite dans le tiroir de mon buffet.

Cette série, comptant très exactement trente deux planches, commencée par des « Homoncules au marché » s’achèvera par une « Déesse aux serpents pollinisateurs »  sans que je comprenne quel univers je viens de traverser. Peut-être en aurez vous une idée…

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andréa leierseder

Dans ses peintures et ses dessins, Leierseder crée un cosmos de silhouettes, de formes et d’évènements de la vie culturelle et de la nature aux évocations baroques. Ses œuvres représentent des scènes tirées de la littérature et de films, de la religion, de la mythologie et de l’histoire naturelle, de même que des scènes observées dans son propre entourage. Alternant entre natures mortes, peintures d’animaux, études de caractère, scènes et genres de fripons et d’arlequins, l’artiste s’exprime avec une grande aisance dans un monde d’images très diversifié. Dans un style très personnel et très émotionnel, elle combine tous ces mondes divers pour former un panorama de passion humaine. La vie – « destinée et implications » – telle pourrait être la devise de son œuvre.

L’œuvre de Leierseder traite d’un équilibre instable entre la culture et la nature, où les hommes tout comme les animaux sont considérés comme des êtres appartenant tant au monde culturel qu’au monde naturel. Elle traite également de l’oubli de soi de ces créatures. Même les abîmes et les dangers de la vie, et les fautes commises, dont il est toujours question, sont en principe identiques chez l’homme et chez l’animal.

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bernard le nen

Je pourrais vous dire que je suis né il y a quelque temps, pas longtemps après la guerre, dans un autre pays, au bord de la mer. Que j’ai vécu au bout des terres, ici, ailleurs, à la ville un peu, à la campagne souvent.
Que j’ai été à l’école, que j’y appris à lire, à écrire, à compter et à dessiner dans les marges.

Je pourrais vous dire aussi que j’ai fait des tas de boulots, pas bien payés,  qui souvent faisaient mal aux mains. Que j’ai pris mon temps quand même pour autre chose que le travail, pour l’amour, les amis, pour les enfants.
Je pourrais vous dire encore que j’ai failli mourir, plusieurs fois. Au moins trois. La dernière c’était il n’y a pas longtemps. Que pour l’instant ça va. Que parfois je fais la cuisine, le ménage.

Je pourrais vous dire enfin que souvent il m’arrive de peindre, d’étaler la couleur, de créer des images…. Secret de Polichinelle me répondrez vous et vous auriez raison...

Alors quoi, se taire ?

Et pourquoi pas.

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joël  Lorand

 

Qu’importe l’origine ou la raison de la « rupture » qui amène Joël Lorand à se découvrir artiste-peintre à trente-deux ans, à plonger de cette façon dans l’exploitation des recoins de son être au monde et de ses rapports à l’enfance. Qu’importe l’aspect « prescription thérapeutique du symptôme » de cette activité, puisqu’il est l’apanage de toute démarche créative. Ce qui compte, c’est bien le résultat positif de cette reconstructive régression. Joël Lorand mène donc de front deux types de travaux : une peinture très élaborée dans la composition et le matériau, et une autre peinture dont la fulgurance d’exécution permet de capter plus vite et plus profond ce qu’il y a à sortir au grand jour. Deux démarches parallèles et de plus en plus intimement mêlées pour conjuguer au mieux gravité et légèreté. La peinture ici, est en cure de jouvence.

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